2018.02.18

森美術館で「レアンドロ・エルリッヒ展:見ることのリアル」を見る

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六本木ヒルズの森美術館で「レアンドロ・エルリッヒ展:見ることのリアル」(2017/11/18- 2018/4/1:1800円)を見た。レアンドロ・エルリッヒの作品といえば、金沢21世紀美術館に設置された“恒久展示作品”「スイミングプール」が印象的です。ちなみにスイミングプールは下の写真のように、金沢21世紀美術館の真ん中に設置されています。

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このゾーンには無料で入れるので、プールをのぞき込むだけなら、タダです。のぞき込むと水中に人がいる。それも服をきたままのように見えて、酸素ボンベをしょっていないのに、特に苦しそうでもない。

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種明かしとしては、有料ゾーンからこのプールの中に入ると分かるようになってます。つまり、プールの底は透明になっていて、浅く、水が入っているのほんの少し、というワケなんです。

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今回の展示は「エルリッヒの四半世紀にわたる活動の全容を紹介する、世界でも過去最大規模の個展です。新作を含む44点の作品を紹介し、その8割が日本初公開となります」とのこと。44点といっても、半分はちいさな模型で、実際にリアルに楽しめるのは15点です。まあ、それでも十分以上に楽しめました。写真撮影がOKでしたので、以下、気に入った作品を紹介します。

最初の作品は「反射する港」で、下の写真です。そこそこ暗闇の空間に船が浮かんでいるというもの。最初は明らかに水に浮かんでいるように見えたのですが、慣れてくると、そうでもないことに気がつきます。少なくとも水は張っていない。船が水に浮かんで反射しているように見える部分もリアルな立体物として作られている、という作品。

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こちらは「教室」という作品。ほぼ廃墟と化した教室らしき場所に、亡霊のように、人が現る作品です。ガラスで仕切られた部屋の中で、ガラスの向こう側に「廃墟」があって、これを見に来た観客が半透明にガラスに映り込んで、亡霊のように見える、というもの。

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タイトルは「試着室」(写真下)。鏡を組み合わせて、迷路のようになっています。ただし、ほとんどが鏡ではなく、実際にある部屋なんですが、うまく作られていて、かなり混乱させられます。

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パンフレットの写真にも使われている「建物」という作品。目の前にあって、人がいっぱいぶら下がっているように見えるのは、実は鏡で、実態は床に敷かれた建物に観客が座ったり寝転がったりしている、という作品。

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下の写真は「建物」の模型です。

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さて、この展覧会で作品以外にユニークだったのは、動画もOKとしたところ。条件があって1分以内に限ってます。最近のスマホにしてもデジカメにしても、動画撮影機能は普通に備えているし、静止画はOKだけど動画は禁止とするのは無理がある。禁止しても、チェックする側からすれば、動画撮影か静止画撮影かは外見だけでは区別が付かない。まあ、妥当な条件だと思います。

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2018.02.12

国立新美術館で「シェル美術賞展2017」を見る

国立新美術館で「シェル美術賞展2017」(2017/12/13-12/25:400円)を見た。2014年の受賞作品から見ているので、4年連続、拝見していることになる(2016年の受賞作品についてはこちら)。ちなみに今回が第46回です。シェル美術賞は「次世代を担う若手作家のための美術賞であり、創設当初より完全な公募制で実施しています」というモノです。応募資格は「日本在住、40歳以下の方」。つまり、推薦人がいなくても、日本在住の40歳以下なら、我こそは!と思ったら応募できるわけです。その辺が面白いところ。

そのためか、未知の作家の作品が多い。まあそういった見たことない作品が拝見できる、というのは面白いことです。完全に見たことがない作品から、見たことがあるようで、ちょっと違いモノまで、そこそこいろいろありました。

シェル美術賞展は、写真撮影がOKなので、印象に残った作品は撮影していたので、以下に紹介いたします。

まず、久世なつかの《ひるね (からだ × ハチ 1)》。丸いおなかが印象的ですが、よく見ると変で、虫が飛んでいる。そして耳の辺りでまとまって大量にいる。しばし考えて、タイトルとか作家のコメントを読むと、飛んでいるのは蜂で、それは「大量のミツバチ(働きバチ)は子育てに追われる母親、あるいはその願望として登場します」とのこと。あんまり納得しないけど、まあ、しょうがないか、という感じ。ただ妙に柔らかいタッチに母の優しさを想起してしまう。そう思うのは岩絵具ベースで和紙に描かれているから、かもしれない。

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次が竹内優文の《浴場》。リアルさがいいんですが、そのモチーフの選び方が面白い。改めて見ると、老人らしき人の頭と背中とか足とかが見えている。作家のコメントで「『ヒト』の営みの産物や痕跡の、早晩失われるその風景を、現代の記録と思って描き留めています」とあって、失われていくのは銭湯なのか、そこに通う老人なのか、とちょっと考えてしまう。

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3つ目が上野洋嗣の《temple》。コメントに「模型を作って写真に写し、パソコンで加工してキャンバスに描き起こした」とある。そうか写真か、という気がした。こういう描き方もある、というわけで、より強く印象に残りました。

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4つ目で最後です。酒井崇の《伏せ茶碗 (蠢く何か)》。この作品は、不気味な感じにひかれました。ドローイングなので、すべての線を作家がコツコツと描いてわけで、そこもより不気味な感じ。

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なんとなく、戯画的な作品が増えている、ように見えました。

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2018.02.04

Lumix LX100が「システムエラー(フォーカス)」と表示して故障した件

2018年1月5日、正月明けにLumix LX100が故障した。症状は電源を投入すると、下のように「システムエラー(フォーカス)」と画面に表示して、使えなくなってしまう、というモノです。

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何回か電源を再投入してみるのですが、同じ結果です。2014年12月に購入して以来、なんのトラブルも起こさず使ってきたので、この状態は少々ショック。とりあえず、ネットで検索して見ると修理に出すしかないらしい。気に入らないのはマニュアルに記載が発見できないこと。2種類のマニュアルのPDFをダウンロードして検索してみたが、ありませんでした。

ネットを見る限りは修理に出すしか手はない、とのことでしたので、とりあえず購入したヨドバシカメラの修理カウンターに持って行きました。で、カウンターの方に状況を説明したら、即修理に出しましょう、とのこと。Lumixシリーズではこの手のエラーメッセージが表示されたら、修理に出すしかないそうです。

ヨドバシの場合、ヨドバシからイストテクニカルサービスというカメラの修理会社に委託して、そこからパナソニックに修理を依頼する、という多少ややこしい流れになっています。そのため、1月5日にヨドバシに持って行っても、実際に受付が済んだのは、1月10日で、見積もりがきたのが、1月15日です。

修理費用は最低でも1万4040円とのこと。ヨドバシに持ち込んだ時点で1万4040円は高い、と思ったら修理はしないということになります。見積もり時点で、それより多い場合は、修理はしない選択も可能です。この場合はお金はかからないけど、使い物にならないデジカメが手元に戻ってくるわけです。幸い(?)費用は1万4040円との見積もりで、修理を進めてもらうことにしました。

待つことしばし。2月2日に連絡があって、2月3日に修理から戻ってきました。修理の内容は、レンズユニット交換とのこと。面白いのは、修理に対する保証で、パナソニックの方は、今回交換したレンズユニットで再度、同じ故障が起きた場合は、3カ月以内であれば無料修理なんですが、イストテクニカルサービスの保証は1年なんですね。修理の終えたカメラを受け取るときに、修理カウンターの方から、説明を受けました。要は、また同じように故障したら、パナソニックに直接持ち込まずに、ウチに来てね、といことでした。

まあ、故障しないことを祈ってから、設定をし直して、使い始めたのですが、戻ってきた製品以外にも、何かあって、ウチに帰って開けてみたら、交換された、故障しているレンズユニットでした(写真下)。

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さて、このレンズユニット、どうしましょう? 別に戻してくれなくともいいのになあ、とは思うのですが、せっかくなので精密ドライバーでも買ってきて、ばらしてみようかと思う今日この頃です。

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2018.02.02

東京ステーションギャラリーで「コレクションのドア、ひらきます」を見る

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東京ステーションギャラリーで「コレクションのドア、ひらきます」(2017/12/16~2018/2/12:900円)を見た。東京ステーションギャラリーは名前の通り、東京駅の建物の中にある美術館。あまり知られていない作家の個展を開いたり、そこそこ有名なんだけど、あまり個展が開かれていない作家の個展を開いていて、例えば昨年の「不染鉄展」とかは知らない作家の展示でしたが、とても興味深いものでした。2015年の「没後30年 鴨居玲展 踊り候え」も、部分的にしか知らなかった鴨居令の作品のほぼ全貌を知ることができて、楽しかった。展示のスペースとしても、比較的高めの天井と、煉瓦の壁とかがいい雰囲気です。

しかし、ここは、どちらかというとギャラリー、つまり展示専門かと思っていたのですが、そこそこ立派なコレクションを持っていて、今回はそのコレクションを公開する展示会でした。撮影がほぼOKでしたので、気に入った作品を掲載しておきます。

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まず、東京駅をテーマにした作品。一つ目が相笠昌義の《東京駅風景・冬》、1993年の作品。相笠昌義の作品は初台の東京オペラシティアートギャラリーの寺田コレクションに含まれていて、初台ではときどき見るんですが、東京駅を描いていたとはね。独特のくすんだ色調とか暗い感じが気に入ってます。作品をまとめて見たい作家の一人ですね。

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こちらは本城直季の《new tokyo station》。2012年の作品。東京駅の改築後に東京ステーションギャラリーの依頼で撮影した作品とのこと。

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元田久治の《Indication - Tokyo Station - 》。2007年の作品。和紙にリトグラフだそうです。作品は、誰もが知っている建物や町並みが、人類が滅亡して廃墟になったら、どうなるかを想像して描かれたもの。かなり物騒で、美しい。ちなみにIndicationは気配とか徴候とかいう意味です。

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諏訪敦の《新宿からの富士》。2001年の作品。諏訪さんの作品は人物が中心ですが、こういった風景画もあるのね。珍しいと思います。しかし、人物画と同じように細密で繊細です。新宿の都庁からの眺めらしい。

Suwa

三瀬夏之介の《エディプスの子》。2011年の作品。東日本大震災のあとに、東北の山をイメージして描かれた作品、とのこと。大きいです。272×360cm。

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森村泰昌の《自画像としての「私」(メデューサ)》。2011年の作品。元ネタはカラヴァッジョの《メデューサ》。こういうのもコレクションするんだな、という作品。

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渡部満の《富士をめでる由希子》。2001年の作品。めったに作品を見ることが出来ない作家です。たぶん、ここでしか見たことがない気がする。「世界の古典的名画のなかに自らの娘を幼いままの姿で描き込む」のがこの家作家のスタイルらしい。

Watanabe

展示替えがあるらしいので、もう1回は見に行きたいと思います。


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2018.01.08

東京都庭園美術館で「装飾は流転する 『今』と向きあう7つの方法」を見る

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東京都庭園美術館で「装飾は流転する 『今』と向きあう7つの方法」(2017/11/18-2018/2/25:1100円)を見た。庭園美術館は本館(旧朝香宮邸)エレベーター設置工事のため、約半年間休館していた。まあ2017年の夏は閉館していたわけです。休館開けの美術展が「装飾は流転する」。美術において装飾とは何か、というかなり根本的な問いに対して、「装飾は流転する」と答えた感じですが、ちょっと分かりにくい。むしろ「Decoration never dies,anyway」という英語のタイトルの方がぐっとくる。

装飾美術というと、あるいは作品について装飾的というと、どうも純粋芸術的な立場から一歩引いたよう見えることがあるらしい。図録に、本展に参加しているアーティスト全員が装飾に対するそれぞれの立場とか、装飾的であると言われることへの感想を寄稿しているのだけど、装飾に対して世間は否定的だけど、そうは思わない、というテキストが並んでいる。まあ、展覧会の主旨にあった人選なんでしょう。一方で、装飾というモノは上っ面で、表層的で、本質ではないと世間一般は思っている、とも思っているようだ。確かにミニマルな作品の存在意義は装飾を省いた本質を示すという面もあるんだろう。でも個人的には、装飾しないことが装飾であるように見えてしまう。

ここでは、装飾というのは、純粋芸術に対立する概念でもないし、機能主義とも対立するモノではない、という立場をとっている。そんな立場を示すには、アールデコという装飾美術をちりばめた庭園美術館はふさわしい場所だろう。ちなみに出展する作家で、見たことがあって、名前を覚えているのは高田安規子・政子 だけで、そういう意味でも楽しみな展覧会でした。撮影可だったので、気に入った作品の写真を掲載しておきます。

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上の写真は、ヴィム・デルヴォワ(Wim Delvoye https://wimdelvoye.be/)の《ノーチラス》。ステンレス製です。とても精密で、解説によると「ゴシック建築の装飾がオウムガイの形に歪められている」モノらしい。

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同じくヴィム・デルヴォワの《二つの尾てい骨》。大理石です。

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山縣良和(http://www.writtenafterwards.com/)の作品は熊手とかぬいぐるみとかを組み合わせた作品。タイトルは《七服神》。ファッションデザイナーらしい作品。まあ、ほとんどインスタレーションですね。

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赤いコートの一群は山縣の《インバネスコート》。


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髙田安規子・政子(http://amtakada.com)は一卵性双生児のユニット。その作品は小さくて美しく、そして意表を突く。上の写真は、軽石を削って作ったローマの《凱旋門》。下の写真は《豆本の山》、さらにその下は《カットグラス》。解説によると「切子細工のガラス器に見えるが、実はゴム製の吸盤にカッティングを施したもの」とのこと。

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